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.Esta cabeza femenina de mármol fue hallada en el estrato de destrucción de la domus n.? 1 de Ampurias. Se trata del retrato de una anciana que estuvo unido a un cuerpo, hoy perdido. Las facciones y el peinado han hecho que algunos autores lo hayan considerado una representación de la emperatriz Livia, esposa de Augusto. El hecho de tratarse de una pieza móvil sugiere que esta cabeza pudo haber formado parte de una representación corpórea de la emperatriz y que ésta habría podido hallarse expuesta en el foro, formando parte de las representaciones dedicadas a exaltar la gloria de la familia imperial.

En las excavaciones del foro de Tarraco apareció un grupo de esculturas en un pozo. El conjunto constaba de consta de diversos fragmentos de esculturas thoracadas, una cabeza de Apolo, dos retratos de Marco Aurelio y Lucio Vero y diversos fragmentos de una imagen ecuestre en bronce. Lucio Celonio Cómodo Elio Aurelio Vero había nacido el 15 de diciembre del 130. Hijo del César Lucio Elio -a quien Adriano había designado su sucesor-, fue adoptado por el emperador Antonino Pío -junto con su hermano adoptivo Marco Aurelio- ante la insistencia del emperador Adriano. El fallecimiento de Antonio Pío en el año 161 motivó que Lucio Aurelio Vero fuera proclamado César y augusto, gobernando como co-emperador junto a Marco Aurelio. Ese mismo año partía hacia Siria para luchar contra los partos, consiguiendo la victoria tras varios años de luchas, consiguiendo la paz en el año 166. Regresó a Roma para celebrar su triunfo junto al co-emperador, triunfo que se vio eclipsado por la peste que trajeron los ejércitos de Asia, peste que llegó a afectar a la misma Roma. En 167 marchó a las fronteras del Rin y el Danubio para luchar contra las tribus germanas que se habían atrevido a entrar en el Imperio al mando del rey Marcomano Balomar. En este viaje le acompañó el propio Marco Aurelio, pasando dos años organizando la defensa y el posterior ataque contra los rebeldes. De regreso a Roma, en marzo de 169, Lucio Aurelio Vero fallecía de una apoplejía en Altinum, en las cercanías de Venecia.

Manet presentó esta obra, junto al Guitarrista español, al Salón de 1861, obteniendo su primer éxito. Tras el fracaso de Bebedor de absenta, recurrió a una temática más tradicional como era un retrato de dos de los miembros de la alta burguesía parisina del siglo XIX: sus padres, Auguste Manet y Eugénie Désirée Fournier. Auguste era secretario privado del Ministro de Justicia francés y Eugénie era hija de un diplomático de la embajada de Estocolmo. Ambos disfrutaban de su propia renta, por lo que al morir el padre, Manet obtendrá una respetable fortuna. Las dos figuras se presentan en primer plano, el padre sentado y la madre de pie, tras su marido, sosteniendo una cesta de lana para hacer labor. Ante ellos se sitúa una mesa, en la que reposan una tela y una caja de madera. Las figuras están perfectamente estudiadas, captan la personalidad de cada una y muestran al espectador la incompatibilidad de caracteres de la pareja. Manet se interesa especialmente por el contraste entre el blanco y el negro, empleando algunos colores primarios brillantes. La solidez de su dibujo se aprecia con claridad en las manos y en sus rostros llenos de vida. El recurso de recortar las siluetas sobre un fondo neutro ya había sido utilizado por Tiziano en el Renacimiento, que obtenía así un mayor efecto tridimensional, buscado por todos los pintores. En la escena se aprecian signos del realismo de Courbet, especialmente en la manera de tratar las telas, empleando largas pinceladas que no olvidan los detalles. La minuciosidad de la barba y de la cesta de labor son considerables, a pesar de esa pincelada empleada a la que antes nos referíamos.

Al año siguiente del nacimiento de Jean, los Monet pasaron el verano en la costa normanda. Las obras de Claude participaron en una exposición en Le Havre, cosechando un importante éxito. Durante este verano realizó un interesante retrato de encargo, siendo la modelo Madame Gaudibert. La dama aparece con el rostro de perfil y el cuerpo girado en tres cuartos, vistiendo un elegante traje largo de seda, con encaje en cuellos y puños y amplia cola del mismo tono y tejido. Un echarpe de tonalidades rojas y azules contrasta con el vestido, tanto en colores como en textura, manifestando diferentes calidades. Un cortinaje azulado cierra la composición, apreciándose en la zona derecha una mesa con un vaso que contiene dos rosas. La alfombra, en sintonía cromática con el vestido y el cortinaje, completa el acertado conjunto.El estilo de Monet es más académico en este trabajo, aunque mantiene sus trazos rápidos y empastados que buscan más la impresión visual que la calidad táctil. El excelente dibujo que tiene como base la figura tomada del natural indica la maestría como dibujante del artista, superando los moldes académicos para ofrecer una pintura moderna. La familia Gaudibert pagó 130 francos por este soberbio retrato, sirviendo ese dinero para sacar a flote la pésima economía de los Monet.