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El retrato de este matrimonio destaca sobre todo por el gran realismo con el que aparecen representados. Además, ambas figuras están ataviadas con la toga, con lo que se dignifica a los personajes representados. En sus manos portan materiales relacionados con la escritura, dotándoles de este modo, de un gran nivel cultural. Excepcional ejemplo retratístico de la calidad técnica y artística de los artífices de los frescos de Pompeya.

1929 es el año clave para el pintor catalán, conoce a Helena Ivanovna Diakonova, a la que todos llaman Gala; realiza su segundo viaje a París y entra en contacto con el grupo surrealista. En ese segundo viaje a París, Miró le introduce en la vida artística de la capital y conoce a Tristan Tzara, Magritte, Arp y Camille Goemans. Éste último le presenta a Paul Éluard, casado con Gala, al mismo tiempo que se convierte en su marchante, organizándole su primera exposición individual en París, presentada por el patriarca del surrealismo, André Breton. En el verano de ese mismo año, algunos miembros surrealistas visitan Cadaqués: Goemans y su compañera, René Magritte y su esposa, Luis Buñuel, Paul Éluard y Gala con su hija. Precisamente, en este momento Dalí se enamora de la mujer de Paul Éluard. En septiembre, cuando el grupo regrese a París, Gala permanecerá en Cadaqués unas semanas más. El retrato que Dalí nos presenta comenzó a realizarse en ese mismo verano, cuando sus relaciones con Lorca estaban a punto de terminar. Es la expresión de continuidad del amor de Paul Éluard por su esposa Gala. Iconográficamente, presenta todos los elementos de El gran masturbador como la langosta, el pez como símbolo sexual de época lorquiana, las manos cortadas, los cambios de materia, el león como símbolo de la pasión, la jarra cortada, etc. También existen las referencias al amor contrariado, a la frustración sexual y alusiones a la muerte.

En febrero de 1882 Monet llegó a Pourville, pueblecito a cinco kilómetros al oeste de Dieppe, alojándose en el "Hotel Victoria". El establecimiento incluía un restaurante llamado "A la Renommée des Galettes" dirigido por Paul Graff y su esposa Eugénie. Uno de los días el tiempo no era bueno y el artista realizó los retratos del viejo cocinero y de su esposa. El hombre aparece tocado con su sombrero de chef y vistiendo un impoluto traje blanco, destacando su rostro de buena persona, centrando el maestro la atención en sus ojos. El estilo es el característico del pintor impresionista, empleando rápidos y concisos toques de pincel que refuerzan la expresividad del cocinero.

Père Tanguy era una de las personas más importantes para los impresionistas ya que regentaba una pequeña tienda de artículos pictóricos en Montmartre. Tanguy fue uno de los artífices de la entrada de la estampa japonesa en el arte occidental al venderlas en su tienda; poseía una importante colección de autores modernos al cambiar algunos cuadros por materiales, destacando también por su mecenazgo. Bernard le presenta como un burgués - a diferencia de Van Gogh que exalta su aspecto bohemio - vestido con un elegante chaqué negro y un corbatín del mismo color. Sus expresivos ojos y su gran nariz caracterizan un rostro que se recorta sobre un fondo de papel pintado, recordando la influencia de la estampa japonesa. El dibujo es muy seguro, apreciándose una ligera línea más oscura delimitando los contornos debido a la influencia del "cloisonnisme", que Émile aprendió junto a Gauguin en Bretaña.

Incluido en el noucentisme, Pablo Gargallo se aproxima sin embargo a la vanguardia internacional en sus obras, aunque de una manera mucho mas tímida que Julio González. Amigo de Juan Gris, Nonell, Canals y Picasso, a quien retrata en esta escultura, son dos los polos que centralizan su obra: la preocupación constructiva y lingüística, y la expresiva. La preocupación constructiva se plantea y desarrolla para satisfacer las exigencias y necesidades de la expresiva. El escultor introduce variaciones angulares y desarrolla planos únicos en diversas direcciones contradictorias, emplea la luz como un elemento más de la escultura, todo ello para causar un mayor impacto en el espectador.

A finales del año en que se pinta este cuadro, 1947, Dalí conseguía publicar el núm. 2 de su propia revista, titulada "Dali News. Monarch of the Dailies". Toda la primera plana de ese número la ocupaba el siguiente titular: TRUMAN, MARSHALL, PICASSO, DALI EN LA CRISIS DEL ARTE Y LA EXTENSIÓN DE LA REVUELTA. Con un titular tan original recogía algunas noticias en las que Truman y Marshall se habían mostrado opuestos a determinadas manifestaciones del arte moderno. Dalí no ocultaba su desprecio hacia ciertos críticos especializados y Picasso era objeto de un vivo interés, como siempre, por parte de Dalí. De Picasso -a quien retrata en este lienzo que vemos- decía Dalí que era "uno de los mayores anarquistas y destructores de la historia, que tiene la gloria de haber destruido la pintura de los Salones y la belleza pseudo-oficial". Pero con esa actitud Picasso, según Dalí, también había conseguido que los artistas más jóvenes perdieran todo interés por el arte clásico del pasado, por la forma tradicional de un Rafael, por ejemplo. Por eso sería el propio Dalí el encargado de restaurar algunos principios del verdadero arte clásico; en el número de la revista hacía un juego de palabras con su nombre y se convertía en Dalí el Salvador. En el retrato de Picasso existe una impresión general de animal o de monstruo, cuyas partes del rostro se alargan y deforman hasta hacerlo irreconocible del todo. Además, la confusión de materias se repite en ese busto de piedra que se convierte en carne. Como en obras anteriores, existe un aire muy familiar de "cadavre exquis" (cadáver exquisito), esa técnica inventada por los surrealistas que consistía en la realización colectiva de un mismo dibujo. Cada uno realizaba una parte sin ver lo que ya se había pintado, obteniéndose resultados sorprendentes.

Cuando Tiziano realizó el retrato de su buen amigo Aretino en 1545 con un estilo rápido y fluido, el poeta respondió: "Si le hubiera pagado más escudos por él, las telas serían mucho más brillantes y suaves, dando la auténtica sensación, de seda, terciopelo y brocado". Posiblemente este lienzo que contemplamos sea la respuesta del maestro de Cadore ante el sarcástico comentario de su amigo, resultando una obra más acabada pero de menor calidad que el primero.Aretino presenta aquí una barba más larga y quizá más oscura, dejando curiosamente de teñírsela en 1548, fecha que se especula para este trabajo. Las calidades de las telas están más cuidadas, a pesar de emplear una pincelada fluida, sin renunciar a la captación psicológica del poeta cuya afilada pluma era temida por todos, tal y como se reflejó en su epitafio: "Aquí yace Pietro Aretino, poeta toscano, que habló mal de todos, excepto de Dios; de lo que se excusaba diciendo, no le conozco".

Crevel fue una importante figura del grupo surrealista francés. Nacido en 1900 y muerto de forma prematura, en 1935, su vinculación al Partido Comunista Francés está en la clave de algunos de los sucesos que acabarían con la unidad en el seno del grupo liderado por André Breton y Louis Aragon. Salvador Dalí no compartía la intención de Breton de que el Surrealismo se afiliase en bloque al Partido Comunista. Un año antes de la realización de este cuadro, se intentó precisamente eso, la vinculación entre arte y política, con motivo del Congreso de la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios. Por su desinterés y actitud provocativa hacia la política, Salvador Dalí fue tachado de frívolo y superficial por algunos miembros del grupo, y años más tarde, aunque por otros motivos, sería expulsado de forma oficial del grupo de Breton. Dejando aparte las orientaciones políticas de Breton y Crevel, la poesía de éste último se destacaba por la vivacidad de imágenes, por el componente nihilista y por su capacidad para la sátira. Pensamos que fueron sobre todo estos rasgos los que le convirtieron en figura interesante a los ojos del pintor catalán. La interpretación que nos ofrece Dalí es muy compleja. Iconográficamente, parece vestido a la romana y apoya su mano izquierda sobre una figura encapuchada, posiblemente un niño. Pero en cuanto a la técnica, ésta no puede ser más audaz. Se trata de manchas en aparente confusión pero que, cuando nos alejamos de la obra, parecen ordenarse de forma coherente hasta ofrecer una imagen certera del escritor francés. En esa agrupación azarosa de manchas están algunas experiencias previas como el frottage de Max Ernst. Posteriormente, el artista canario Óscar Domínguez se basaría en ese método para su técnica, la decalcomanía. Amigo íntimo de la pareja Gala-Dalí, el retrato se realizó durante su estancia en Port Lligat, en el verano de 1934, un año antes de su muerte.

En las obras de los primeros años veinte que coinciden con sus primeros traslados a Madrid continúa con la misma temática y con el mismo estilo pictórico que había aprendido de la familia Pichot. La relación de Dalí con la familia Pichot había comenzado en la casa de verano de Cadaqués cuando el artista contaba tan sólo diez años. Es precisamente ése el momento de su decisión por dedicarse a la pintura. En ese verano de 1914 y en la finca del molino de la torre, Dalí pasó el verano recuperándose de una enfermedad. La familia Pichot estaba compuesta por pintores, músicos y cantantes de ópera, y le ofrecen la imagen de una familia dedicada exclusivamente al mundo del arte. Entre ellos, Ramón Pichot, amigo de Picasso, es quien le introduce en la pintura de ámbito impresionista y puntillista. Otro de sus hermanos, Ricardo Pichot, era músico, tal y como nos lo muestra en esta obra Dalí. Para algunos historiadores, muchos de los recuerdos de estos contactos con los Pichot aparecen en obras posteriores de los años treinta y cuarenta como motivos iconográficos: el piano, el violín, el violonchelo, etc. Las principales características de esta etapa imprecisa que empieza en el año 1914 y concluye en 1922, son la temática asidua de paisajes, retratos, autorretratos, escenas del entorno familiar, naturalezas muertas en clave sobre todo impresionista, puntillista y simbolista. Están realizados con pasta densa, materia acusada y pinceladas sueltas que responden al medio físico del pintor, es decir, a los alrededores de Figueres y de la Costa Brava. El Retrato de Ricardo Pichot ofrece esas notas de su primera etapa, los colores claros, la pincelada suelta y la materia densa de la pintura impresionista, el carácter melancólico prototípico de un personaje de la pintura simbolista, etc.