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Junto a Susana y los viejos y otras cinco escenas más, Esther ante Asuero formaba parte de la decoración del techo de una cámara nupcial veneciana supuestamente adquirida por Velázquez.Tintoretto recoge uno de los pasajes del libro de Esther, en el que ésta se presenta ante su esposo para interceder por los judíos, arriesgando así su vida. Como sus compañeras, la perspectiva de abajo a arriba empleada viene motivada por la situación del encargo. La riqueza de las telas y las joyas que portan las figuras hacen de esta obra una de las más bellas. La similitud con la Visita de la reina de Saba a Salomón resulta sorprendente, lo que hace suponer que estarían una enfrente de la otra.

El asunto procede del libro de Esther, del Antiguo Testamento. El emperador persa Asuero (Jerjes) promulga un decreto de exterminio de los judíos de su imperio. Su esposa de origen judío, Esther, hija de Mardoqueo, a quien el rey había tomado por reina en virtud de su gran belleza, se dirige al emperador para salvar su vida y la de su pueblo. Llegada ante el trono, a la vista del emperador, se desmaya, apoyando la cabeza sobre la sierva que la acompaña. Asuero no sólo concederá la vida a su mujer, sino que también salvará al pueblo judío. Al igual que hiciera en el Moisés niño pisa la corona del faraón, Poussin ha dividido la escena en dos partes: los hombres, junto al emperador, a la derecha, y las mujeres, a la izquierda. Dicha composición se estructura en una gran "V" formada por ambos grupos. El espacio que se extiende tras ellos, un oscuro interior, realza la monumentalidad de las figuras por su tamaño y por el contraste de los colores, amarillo, rojo, azul. Por su estilo, Poussin se halla muy cerca del de Rafael.

La historia de Esther se recoge en el Antiguo Testamento, concretamente en el Libro de Esther. En ese relato aparecen ciertos datos históricos insertos en un cuadro artificial para obtener una enseñanza religiosa. El rey de los persas Asuero - identificado con Jerjes - repudió a la reina Vasti ya que rechazó acudir al banquete real. En su lugar fue elegida una joven de gran belleza llamada Esther, desconociéndose su origen judío. Mardoqueo, tío de la nueva reina, hizo descubrir a Asuero la conspiración de los eunucos, lo que le enfrentó a Amán, el favorito real. Amán se propuso acabar con los judíos en represalia contra Mardoqueo, obteniendo un decreto real para proceder a la exterminación del pueblo de Israel. Esther intervino y con peligro de su vida, consiguió cambiar el ánimo del rey y salvar a su pueblo. Amán fue ahorcado en el patíbulo que él había dispuesto para Mardoqueo, convirtiéndose éste en el nuevo primer ministro.Rembrandt nos presenta el momento en el que Esther se plantea la presencia ante Asuero. Aunque reina, la joven no podía presentarse ante el monarca bajo peligro de su vida. Por eso elige sus mejores galas y se piensa serenamente su actuación. Tras ella encontramos a su sirvienta, arreglando los vestidos de la heroína. Esther viste como una rica burguesa holandesa, recibiendo un potente foco de luz procedente de la izquierda que resalta la blancura de su rostro y su escote, mientras que la anciana y el fondo quedan en penumbra. Los vestidos están realizados con una pincelada empastada, sin apenas atender a los detalles, esbozando los bordados de la capa roja. Las tonalidades oscuras dominan el conjunto aunque se provoca el contraste con el blanco y el rojo, creando un juego cromático de gran belleza. La influencia de la escuela veneciana se halla presente en la sensación atmosférica conseguida, una de las grandes aportaciones de Rembrandt a la pintura barroca.

La mejor traducción escultórica del realismo social se concreta en la escultura del belga Meunier, cuyo tema preferido van a ser los trabajadores de los más variados oficios, siempre concebidos de manera monumental y dotando a las figuras de una gran fuerza no sólo física sino también moral. En este aspecto estas esculturas tienen una especial similitud con la pintura realista, en cuanto a esa identificación del héroe moderno con el trabajador anónimo.

Entre los cristianos son las marcas o señales de origen sobrenatural que les sale en el cuerpo a algunos hombres santos. Los estigmas simbolizan su participación en la pasión de Cristo.

Giotto imprimió un carácter especial a este capítulo de la Historia de San Francisco. La escena representa el punto culminante de la vida del santo cuando, en clara referencia a la temática iconográfica de la "Imitatio Christi", Jesús imprime en sus manos las llagas de la Pasión. La escena tiene lugar en medio de la naturaleza, con la única figuración de un macizo rocosa de pliegues fasciculados muy simples, pero volumétricos, tan característicos de Giotto. Parece un lugar solitario, apartado del mundo; el artista lo da a entender con la separación de la grieta del centro, quedando a un lado el suceso milagroso y, al otro, la impasividad del habitual personaje secundario de las pinturas de Giotto, ahora ajeno al acontecimiento. Las dos estructuras arquitectónicas también potencian dicha separación. El macizo rocoso de la izquierda queda compensado con la aparición de Jesús en el cielo, que lanza como rayos luminosos los estigmas a San Francisco. El santo ocupa un espacio y un lugar en la representación. Su postura ejemplifica su corpulencia, su corporeidad y su peso sobre la falda de la montaña. El edificio que le acompaña, de colores vivos y muy contrastados, simboliza el propio retiro del santo a un lugar donde se da el hecho sobrenatural y, por otra parte, la creación de la orden franciscana y el seguimiento de las normas de vida del santo. Por eso el muro de la iglesia aparece limpio de ornamento, expresando su idea de pobreza. También la nueva iglesia ocupa su lugar en la escena, que se muestra tan acorde y verosímil como la aparición del Cristo de los estigmas. Años más tarde, siguiendo este modelo de Asís, Giotto desarrollará el mismo tema en una tabla que hoy se encuentra en el Museo del Louvre.

Giotto figuró este retablo a la témpera para la iglesia francisca de Pisa, en los últimos años del siglo XIII. El tema de la Estigmatización de la basílica de San Francisco en Asís fue el claro referente que utilizó el maestro italiano. El programa iconográfico se completaba con una predela con la representación de tres episodios de la vida del santo: El sueño de Inocencio III, La aprobación de la regla y San Francisco predicando a los pájaros, que presentan evoluciones espectaculares con respecto a la configuración espacial, en comparación con los mismos motivos de la decoración de Asís. La tabla central presenta una gran monumentalidad en la figura del santo, casi como un correlato del alto formato del retablo. La figura de San Francisco presenta una gran consistencia en medio del paisaje acartonado de la escena. Destacan especialmente las sombras y matizaciones luminosas de su hábito, que confieren mayor volumetría y corporeidad a su cuerpo. Giotto desarrolla más acertadamente la reacción psicológica del santo ante la impresión de los estigmas en sus manos, costado y pies; al igual que la representación de Cristo que, aun con las alas de un ángel, ha tomado mayor presencia verosímil, de carácter absolutamente realista. Pero, además, Giotto completa la disposición compositiva con más fuerza, por la intensidad de las miradas de los protagonistas, tan contundentes como sus anatomías. Algunos historiadores han señalado un posible viaje a Roma del artista, con lo que ven una clara influencia de la estatuaria antigua en las figuras y modelado de los personajes. Lo que queda claro es que la tabla del Louvre se muestra como un paso más hacia un lenguaje más depurado, el de la etapa de madurez en Padua.

El fresco de la Estigmatización de San Francisco se situaba encima de la puerta de entrada a la capilla Bardi. En el camino que recorre San Francisco en su "Imitatio Christi", éste es el capítulo más importante. Por eso Giotto lo coloca en un lugar prominente, a modo de resumen de toda la vida del santo. El episodio se desarrolla en un paisaje abierto, en donde los pliegues de los típicos macizos rocosos del pintor, aparecen mejor y más suavemente modelados. La figura del santo se presenta con gran monumentalidad. Los pliegues de su hábito y los efectos de la incidencia de la luz sobre él, están muy bien conseguidos, es decir, se muestran de manera naturalista. Incluso la postura, en escorzo, volviendo todo su cuerpo para la impresión de los estigmas, unos delicados rayos dorados que le envía Dios desde la parte alta. De esta forma, el santo se presenta hacia Dios y también de frente al espectador. Con relación a la tabla del Louvre o la Estigmatización de la basílica Superior de Asís, el Cristo aparece aquí crucificado, posiblemente una referencia al nombre de la iglesia, la Santa Croce. Giotto ha reducido los medios expresivos para presentar unas escenas si cabe más explícitas y de mayor claridad, esto es, más evolucionadas en su arte.

De origen vándalo, Estilicón siguió la carrera militar con brillantez, consiguiendo rápidamente el título de "magister militum" al tiempo que se ganaba la confianza del emperador Teodosio. A la muerte de éste, Estilicón recibió el encargo de velar por los emperadores Honorio y Arcadio entre los que Teodosio había repartido el Imperio. No recibió la suficiente ayuda de Oriente en la guerra contra los visigodos dirigidos por Alarico por lo que renunció a sus cargos orientales y se centró en el gobierno de Occidente donde tutelaba a Honorio. Aquí pudo demostrar su inteligencia y sus dotes políticas, consiguiendo convertirse en el árbitro de la situación y en el principal baluarte ante las invasiones bárbaras. La invasión de Italia por parte de Alarico provocó que Estilicón concluyera con él un tratado para realizar la guerra al Imperio Oriental. El traslado de tropas a Italia motivó que la Galia e Hispania quedaran indefensas por lo que diversas tribus bárbaras se rebelaron y penetraron en territorio romano. El ejército se rebeló contra Estilicón que fue condenado a muerte en Rávena.