Busqueda de contenidos

Tras el fallecimiento de Pertinax, Didio se adueñó del imperio en pública subasta en 193. Esta curiosa situación despertó la ira del pueblo que se levantó en armas. Septimio Severo, gobernador de Iliria, les prestó ayuda y cercó a Juliano Didio en Roma. Didio ni si quiera tuvo un juicio, ya que los pretorianos acabaron con su vida. Su reinado duró poco más de tres meses.

General romano que vivió entre los siglos II y I a.C. En el año 98 a.C. fue elegido cónsul junto a Quinto Cecilio Metelo, y partió hacia Hispania. Aquí conquistó el oppidum de Termes. Murió en combate en el año 89 a.C., durante la guerra Mársica.

Una de las composiciones históricas más importantes que pintó Turner representa una parte de la historia de Dido, princesa fenicia que huyó de su tierra porque su hermano la quería asesinar. Llegó a África donde construyó la ciudad de Cartago. Dido se enamoró de uno de los héroes de la guerra de Troya, Eneas, al que colmó de favores y de bienes. Al abandonar Eneas la ciudad, Dido se dio muerte. El tema de Dido y Eenas era muy utilizado en los primeros años del siglo XIX para aludir a la situación política entre Inglaterra y Francia. Mientras Dido era relacionada con Inglaterra, Eneas simbolizaba la Francia napoleónica. Esto motivó la aparición de un buen número de escenas históricas que tienen un fondo simbólico. El estilo de Turner ha sufrido una evolución al mostrarse ahora muy influido por Claudio de Lorena. El maestro británico emplea un fuerte colorido amarillento que fue muy criticado por los especialistas de su época. El romanticismo de la obra de Turner es cada vez mayor, utilizando puestas de sol, imágenes con una amplitud de perspectiva destacable, e incluso dando sensación atmosférica en las zonas finales del lienzo, más difuminadas. Las arquitecturas aluden a la época clásica durante la que se construyó una de las ciudades más importantes de la Antigüedad. Estas maravillosas construcciones, realizadas con exquisita delicadeza, se ven animadas por las figurillas y por lo juegos de luces que emplea el maestro londinense.

Su padre fue el rey de Tiro y Pigmalión fue su hermano. Su mito muestra dos versiones bien distintas. Un de ellas defiende que enviudó y se mantuvo casta, mientras que la Eneida de Virgilio la describe como la amante de Eneas. Dice la leyenda que cuando murió Muto, su padre, el gobierno del reino de Tiro recayó sobre su hermano Pigmalión. Entonces Dido contrajo matrimonio con su tío Sicarbas, que era sacerdote de Heracles y uno de los hombres más importantes del reino que había gobernado su padre. Pero Pigmalión deseaba hacerse con los tesoros de su cuñado y ordenó que lo asesinaran. Ante tal acto, Dido se escapó y se llevó consigo las riquezas que había acumulado su marido. Con ella partieron algunos nobles. A fin de poder tener un margen en la huída lanzó a su hermano sacos que aparentemente estaban repletos de oro, aunque en realidad llevaban arena. Dido llegó a Chipre y reunió con Zeus. En este punto de la travesía sus acompañantes raptaron a 80 doncellas que habían sido consagradas a Afrodita. Cuando llegaron a la costa de Africa los nativos le prometieron a Dido que reinaría toda la tierra que alcanzara con la piel de un buey. Esta dividió la piel del animal en tiras para abarcar mayor extensión de tierra, donde se fundaría Cartago. Fue entonces cuando Yarbas, el rey de una zona próxima le pidió matrimonio; ella le rogó un plazo para venerar a su esposo muerto y acabó suicidándose en una pira. Sin embargo, es en este punto donde el mito romano que trasmite Virgilio asegura que Eneas y Dido se enamoran, debido a la intervención de la diosa Juno y Venus. Pero el amor que Jarbas, descendiente de Júpiter, siente por Dido provoca que el padre de los dioses envíe a Mercurio para que inste a Eneas a fundar Roma. Dido desesperada por su pérdida se suicida en una pira.

La sucesión de Kheops parece complicada, considerándose que Didufri sería un usurpador, aunque también se especula que fuera el hermano primogénito de Khefren, pero su reinado fuera muy corto. La historia de la usurpación incluye el asesinato de su hermano mayor Kauab. Tras ocho años de reinado fallecería y dejaría el trono a Khefren. Se enterró en Abu Roash, lo que refuerza la opinión favorable a la usurpación.

Die Brücke significa en alemán El Puente. ¿Por qué este nombre, qué dos orillas pretenden unir? Los pintores que integraron tal grupo pretendían reunir determinadas formas de expresión primitivas con el arte de su tiempo. La situación estaba radicalizada: por un lado pintores de pésima catadura que se dedicaban a un arte blandengue y carente del más mínimo interés (floreritos, paisajitos, señoras estupendas para colgar del cuarto de estar); y por otro la vanguardia radical, la sucesión vertiginosa de los "ismos", alimentados de sí mismos de tal manera que habían logrado alejarse por completo de la comunicación con el público, incapaz de asimilar las rupturas que planteaban. Especialmente era el cubismo, tan racional, tan mesurado en su aséptica geometría, el mayor rival de estos pintores. Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva. Para lograr esta meta, los integrantes de Die Brücke trataron de recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África. Esta recuperación se refirió tanto a temas, como a técnicas: reaprovechan la xilografía por lo rudo de su realización, como se aprecia en el durísimo Autorretrato de Kirchner. Su estética preferida estuvo muy ligada con el cartelismo: los affiches son grandes paneles pictóricos que todo el mundo puede contemplar. Todo el mundo es potencial espectador de un cartel, y hay que adaptar el arte a ese público imprevisible. Pero además adoptaron una organización grupal similar a la que se practicaba en la Edad Media: formaban una especie de gremio, una tradición que nunca se había llegado a perder en Alemania (por ejemplo, los Nazarenos alemanes en Roma). Compartían un estudio común, el de Kirchner, y recababan el apoyo de los burgueses familiares y amigos, de cuyo círculo provenían. El grupo lo aglutinó Kirchner como cabeza pensante, a cuyo alrededor se agruparon otros como Emil Nolde, Schmidt-Rottluff, Pechstein, Heckel y Mueller. Sus fuentes de inspiración más cercanas en el tiempo fueron otros pintores cuya obra se consideraba fuertemente volcada hacia la emotividad y la expresión personal: Cèzanne, Van Gogh, Gauguin y Edvar Munch. El grupo se reunió en Dresde, ciudad donde se afincaban todos ellos, y lo hicieron desde 1905 hasta 1913. Su forma de expresión era plana, lineal y muy rítmica, en busca de una simplificación absoluta de la forma y el color. Existe cierto paralelismo entre sus intenciones y las del grupo de los fauves en París, pero incluso los alemanes resultaron mucho más salvajes que los franceses. Ideológicamente estaban muy ligados a la creencia en la necesidad de un Mundo Nuevo, en consonancia con la adaptación a los tiempos modernos de las vanguardias. Por sus planteamientos, usaron textos de Nietzsche y por ello se sentían más próximos a la violencia de los futuristas. Al contrario que los italianos, acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni, los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado.

En 1905 cuatro jóvenes estudiantes que vivían en Dresde, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl, formaron un grupo al que llamaron Die Brücke, "El Puente". Al año siguiente se les unieron otros dos, Emil Nolde y Max Pechstein.No está claro, como casi siempre, el origen del nombre, y los propios artistas han tenido cuidado en mantener una cómoda ambigüedad. "Nos preguntarnos durante mucho tiempo cómo podíamos aparecer. Una tarde... Schmidt-Rottluff dijo que podíamos llamarle El Puente, ya que era una palabra polisémica que no implicaría ningún programa, pero que en cierto modo llevaría de una orilla a otra. Para nosotros estaba claro de dónde teníamos que alejarnos, pero a dónde llegaríamos estaba más en el aire", decía Heckel. Lo que sí está claro son las resonancias nietzschianas de la palabra: "La grandeza del hombre es que es un puente y no un fin; lo amable del hombre es que es un paso y una caída", se lee en "Así habló Zaratustra".El Puente era un grupo abierto, sin dogmas políticos ni estéticos, abierto y destinado a los jóvenes, cuyo programa es más bien un manifiesto: "Con fe en el progreso y en una nueva generación de creadores y disfrutadores, convocamos a toda la juventud. Como jóvenes que somos, llevamos en nosotros el futuro y queremos inventar libertad de vida y movimiento, frente a las viejas fuerzas establecidas. Todo aquel que comunique con franqueza y autenticidad lo que le impulsa a la creación, es de los nuestros", proclamaban en el texto publicado con motivo de su exposición en Seifert, en 1906. Estas palabras introducen una novedad respecto a escritos anteriores. Se tiene en cuenta a los disfrutadores, a los destinatarios del arte. Hacen obras para alguien y quieren que esas obras les lleguen de verdad; por eso no se limitan a los canales habituales de exhibición y venta y buscan otros medios de promoción para liberar a los miembros del grupo de toda preocupación material. Con ese fin inventan en 1906 la figura de miembro honorario o pasivo, que por doce marcos anuales (veinticinco a partir de 1912) recibe un almanaque, un carnet de socio y una relación de las actividades, todo ello con grabados originales. En 1907 eran veintinueve y en 1910 sesenta y ocho.Otro de sus objetivos eran las exposiciones: "Queremos -escribía Schmidt-Rottluff a Nolde en 1906 tratando de atraerle - presentar exposiciones, lo que nosotros sentimos y cómo, sin hacer una selección de salón artístico". Y lo cumplieron, muchas de ellas eran itinerantes y dieron a conocer sus obras en distintos lugares de Alemania, no sólo en Dresde. En 1913, en el momento de la disolución del grupo, habían participado en unas setenta colectivas, sin contar las individuales. En noviembre de 1905 expusieron obra gráfica en Leipzig, en otoño de 1906 en Dresde, en una fábrica de lámparas, desde 1907 en la sala Richter y en 1910 en la galería Arnold.Iban contra la gente mayor bien acomodada, contra la burguesía como categoría moral, autosatisfecha y conservadora que, en la era guillermina, tenía como objetivo prioritario enriquecerse mucho y rápido, bajo una apariencia de altos ideales.No había en los primeros años entre los miembros de El Puente una voluntad personalista, de destacar sobre los otros (otra cosa sería más adelante, cuando Kirchner en su "Crónica" falseara la realidad para salir beneficiado). Al contrario. Estaban interesados por el trabajo en grupo y gran parte de las xilografías que conservamos son trabajos hechos por uno de ellos sobre un cuadro pintado por otro. Prueba de su apertura constituyen también las adhesiones de artistas -las que consiguieron y las que intentaron: Schmidt-Rottluff quiso atraer a Munch, y también hubo intentos con Matisse. Sí se acercaron E. Nolde en 1906 y M. Pechstein, quien a su vez atrajo a K. van Dongen, al que conoció en París en 1907; C. Amiet (1868-1961), de Suiza, colaboró en 1906, después de exponer en Dresde; A. Gallen-Kalléla (1865-1931), de Finlandia, en 1907; F. Nölken, en 1908, y también B. Kubista (1884-1918), un checo que haría una síntesis del expresionismo y el cubismo.Ellos mismos eran un grupo de jóvenes, amigos sin una formación académica en bellas artes. Kirchner y Bleyl estudiaban arquitectura cuando, en 1901, empezaron a pintar y dibujar juntos. Schmidt-Rottluff y Heckel se conocían de Chemnitz: Heckel era hermano de un amigo de Kirchner. Los cuatro decidieron formar una especie de comunidad y el 7 de junio de 1905 iniciaron sus actividades como grupo.

Ese "hombre de las cavernas" que era Giacometti, encerrado en su estudio-cueva entre botellas polvorientas y fantasmas creados por sus propias manos, trabajó sólo en un puñado de temas - de obsesiones, podríamos decir con Saura-: hombres y mujeres de pie, gente andando, pequeños grupos de figuras aisladas o bustos; y con muy pocos modelos, siempre de su círculo más íntimo.; entre ellos su hermano Diego, que posó para él "diez mil veces", como el escultor dijo en una ocasión. Aunque la escultura pueda hacer pensar otra cosa, Giacometti controlaba cada pose y la distancia respecto al modelo, al que hacía estar inmóvil y en silencio.

Una de los mejores poetas españoles del siglo XX, Gerardo Diego estudió Filosofía y letras en la Universidad de Deusto, licenciándose en Letras en las de Salamanca y Madrid. Doctor por esta última, en 1920 aprobó una Cátedra de Instituto en lengua y literatura españolas. Profesor de literatura en Soria, Gijón, Santander y Madrid, dio numerosas conferencias sobre poesía en música en España, Europa y América. Miembro de la Generación del 27, sus primeros trabajos fueron como colaborador de la Revista General de la Editorial Calleja (1918). En 1925 gana el Premio Nacional de Literatura, compartido con Rafael Alberti, con su Versos humanos. Publicó en 1927 una Antología en honor de Góngora y en 1947 fue designado miembro de la Real Real Academia Española. Declarado seguidor de Lope de Vega, es definido por la crítica como uno de los primeros líricos españoles contemporáneos. Experimentador y clásico al mismo tiempo, "poeta de dos caras", como alguna vez se le ha caracterizado, sus creaciones capturan la realidad hasta en sus más mínimos detalles, a través de un verso fácil, sencillo, popular. Recurrió a formas nuevas, iconoclastas, como cuando sus creaciones podían encuadrarse dentro del ultraísmo o el creacionismo de Huidobro. Pero también recurrió a la tradición, en forma de romances y sonetos. En 1932-34 publicó Poesía española contemporánea, selección de autores en el que incluyó a vates consagrados como Juan Ramón Jiménez y a otros noveles como Vicente Aleixandre. Recibió los premios Ciudad de Barcelona y Larragoiti, los dos en 1956 y el Miguel de Cervantes, en 1981. Aparte de los citados, entre sus obras se encuentran Iniciales, poesía regional, El romancero de la novia (1918); Imagen -libro que atrajo la atención de Antonio Machado- (1922); Soria (1923); Manual de espumas, Viacrucis (1924); Versos humanos (1925); Fábula de Equis y Zeda (1926-29); Romances, Alondra de verdad (1941); Poemas adrede (1943); Limbo (1950); Biografía incompleta (1953); Paisaje con figuras (1956); Ángeles de Compostela (1961); La suerte o la muerte (1963); El cerezo y la palmera (1964); El Jándalo (1965); Odas morales (1966); Vuelta del peregrino (1967); Fundación del querer (1970) y Versos divinos (1971).