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La madre de Rembrandt protagonizará numerosas obras de su primera etapa, bien directamente o a través de dudosas atribuciones en figuras de avanzada edad. Neeltje van Siujtttbroeck se presenta sentada en una silla y ante una pequeña mesa, cruzando sus manos en el regazo, vestida como las ancianas burguesas holandesas. Su rostro es el elemento más interesante del grabado, demostrando su calidad como dibujante y grabador. La distribución de las masas oscuras en la plancha es tremendamente acertada, resultando una intimista obra de delicada belleza. Neeltje falleció en 1640 y dejó una considerable herencia, recibiendo Rembrandt 10.000 florines, lo que indica que descendía de una de las familias más adineradas de Leiden.

Adèle-Zoë-Marie-Marquette Tapié de Céleyran tenía 23 años cuando dio a luz a Henri. Procedía de una ilustre familia emparentada con los Toulouse-Lautrec desde el siglo XVIII, poniendo en práctica la política matrimonial imperante en la época para unificar fortunas y evitar intromisiones en la nobleza. El carácter tranquilo e incluso melancólico de la condesa contrastaba con el dinamismo y arrogancia de su esposo lo que motivaría la separación de la pareja tras el fallecimiento de su segundo hijo en 1868. Son numerosos los retratos realizados por Henri a su madre, mostrando en todos ellos su aspecto dulce y apacible. En esta ocasión aparece al aire libre, posiblemente en el jardín del castillo de Malromé donde ella vivía, sentada en un banco azulado. La figura se sitúa de perfil, recortando su cabeza ante los arbustos y las flores, vestida con un blusón blanco y una larga falda oscura, sujetando entre sus manos una sombrilla. La composición está ejecutada gracias al empleo de una pincelada vibrante y empastada, aplicando el color en algunas zonas con cierta violencia, resaltando la utilización de sombras coloreadas como hacían los impresionistas, especialmente Pissarro. Los contornos del personaje están trazados con firmeza y maestría demostrando Henri la seguridad de su dibujo, elemento característico de sus trabajos maduros que deja su papel protagonista al color en esta admirable escena.

Renoir y Aline Charigot se conocieron en los últimos años de la década de 1870. La relación se estrechó y fruto de ella nació Pierre en 1885. En 1890 se casaron y cuatro años después nació un segundo hijo, Jean, el futuro director de cine. Para cuidar al pequeño contaron con la ayuda de Gabrielle Renard, una prima de Aline, permaneciendo con la familia hasta 1914, año en el que Gabrielle se casó. La joven se convertirá en una de las modelos favoritas para el artista, posando en esta escena de maternidad junto al pequeño Jean, componiendo una de las escenas favoritas del pintor.Ya en la década de 1890 nos encontramos con un estilo diferente al impresionista, ya que Renoir se interesa especialmente por el dibujo y el modelado, renunciando a la luminosidad y el cromatismo de las obras de Monet. Las tonalidades rojizas dominan un conjunto en el que el espacio se limita al máximo, apareciendo sólo las figuras en primer plano y ocultando cualquier referencia espacial. De la época impresionista aún quedan algunos elementos como las sombras coloreadas.

En 1885 nace Pierre, el primer hijo de Renoir y Aline Charigot. El nacimiento del pequeño llevará al pintor a tratar los asuntos de maternidad con mayor frecuencia en estos años, un momento en el que el impresionismo está atravesando un periodo de crisis y Renoir reacciona empleando un mayor modelado en sus figuras, un acertado dibujo y colores fríos y suaves, tal y como podemos observar en esta intimista escena. Pero también continúa utilizando aspectos habituales del impresionismo como la importancia de la luz, las sombras coloreadas o los efectos atmosféricos creados en la estancia, resultando una obra de transición hacia el estilo final definido por las famosas bañistas. Las pinceladas son largas y fluidas, renunciando a los detalles. La sensación que el espectador experimenta contemplando estos trabajos es de tranquilidad y quietud, haciéndonos partícipes del tierno momento de vestir al pequeño mientras éste juega con el gato. La composición está estructurada de manera clásica al utilizar una pirámide como figura compositiva, recordando a las Madonnas renacentistas que el pintor admiró durante su viaje a Italia en 1881, especialmente las pintadas por Rafael.

La madre ha cedido su ración diaria a su hija y no ha podido aguantar más el hambre. Unos hombres llevan su cadáver en volandas acompañado como único cortejo por la niña, llorando dramáticamente ante su orfandad. La intensidad de la escena la convierten en una de las más impactantes de la serie.

Nacida en Skopje, Albania, actualmente capital de Macedonia, su nombre original era Agnes Gonxha Bojaxhiu. Realizó estudios en Dublín y en Darjeeling, trasladándose a la India en 1928 como novicia de Las Hermanas de Nuestra Señora de Loreto. En Calcuta, impartió la docencia en la St. Mary's High School, escuela de la Orden. En 1937 tomó los votos definitivos. Jefa de estudios del colegio durante varios años, en 1946 decidió cambiar de actividad y dedicarse al cuidado de los más desfavorecidos de Calcuta, tras comprobar que era más importante la labor que podía desempeñar en una de las ciudades más pobres de la tierra. Dos años más tarde marchó a París, para estudiar enfermería y atención al paciente, volviendo poco más tarde a la India para fundar una escuela para niños. En 1950 decidió fundar una congregación que denominó Misioneras de la Caridad, recibiendo el visto bueno de la diócesis de Calcuta. Su objetivo era dedicarse exclusivamente al cuidado de los enfermos, los pobres y los desvalidos de Calcuta. La regla de la orden se basaba en los votos tradicionales, es decir, pobreza, castidad y obediencia, a los que añadía un cuarto que era la promesa de servicio a los menesterosos, en quienes Teresa de Calcuta veía la encarnación de Jesucristo. Poco tiempo más tarde la orden fue aprobada por Roma, abriendo en 1952 la primera Casa de los Moribundos indigentes, llamada en hindú Nirmal Hriday (Corazón puro). Cinco años más tarde, en 1957, se dedicó también al cuidado de los leprosos. Con el tiempo, la labor de la Congregación fue haciéndose cada vez mayor y más eficaz, extendiendo su trabajo no sólo a Calcuta sino a otras ciudades de la India y aun a los cinco continentes. Su labor abnegada, su entrega incondicional y la defensa constante de los más pobres le valió ser reconocida con varios premios, como el Premio Internacional de la Paz Juan XXIII, que le entregó Pablo VI, el Premio Buen Samaritano (Boston), o el Premio Nobel de la Paz, que le fue concedido en 1979. Su precario estado de salud no le impidió trabajar a favor de los más pobres hasta sus últimas fuerzas, al punto que el mismo papa Juan Pablo II le solicitó que disminuyera su ritmo de trabajo debido a su precario estado físico. Nacionalizada india, falleció en Calcuta el 5 de septiembre de 1997, siendo reconocida como una de las personalidades más influyentes, con su ejemplo, de finales del siglo XX.

El final de la etapa dorada de Klimt se produce hacia 1909, entrando en un breve periodo caracterizado por colores oscuros, como se pone de manifiesto en la Dama con sombrero y boa o esta triste escena protagonizada por una madre y sus dos hijos, uno de los trabajos más curiosos del pintor vienés al alejarse del decorativismo e interesarse por la crítica social. El estilo empleado por el maestro enlaza con Toulouse-Lautrec, aunque el tema no enlace con las divertidas escenas del París pintadas por el neo-impresionista francés.Las tres figuras aparecen adormiladas, cubiertas con una triste manta oscura, sobresaliendo sólo los tristes rostros de los protagonistas. Fondo y primer plano se funden en un todo cargado de melancolía.Podía tratarse de Mizzi Zimmermann, la amante del pintor, y sus dos hijos, utilizados como modelos para realizar Klimt esta imagen cargada de tristeza.