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A Puvis de Chavannes se le consideraba más que un pintor o un dibujante, un compositor que, alejado de toda exuberancia de color y de diseño, con la máxima sencillez posible, consigue una humilde y casi primitiva pero rotunda unidad en la superficie pictórica. Sus colores eran tan cercanos al yeso y a la piedra que costaba trabajo no tomarlos por tales. El color de la piedra contagiará a la obra de su inmovilidad. Esa artificialidad de los colores (claros, fríos y pálidos, casi diáfanos) dará un tono homogéneo, una atmósfera general, hermanando carnaciones, vestidos y naturaleza bajo la misma uniformidad tonal. Los dos o tres tonos que necesitaba para un paisaje los busca en su memoria. En su manera de componer no tenía más remedio que forzar los esquemas tradicionales de perspectiva. Simplifica al máximo, trabaja la línea a la perfección haciéndola depositaria de lo que es permanente, aislaba las figuras evidenciando la forma que las contenía y las dotaba de un mínimo movimiento, casi de una quietud esencial más que existencial. En cualquier caso, su devoción hacia los viejos maestros, su intento de devolver a la pintura su antigua gravedad y nobleza de propósito y su facilidad para traducir el lenguaje de los primitivos al código de la época, parecen haberse congelado en una especie de homenaje plástico.

La Fides, una de las siete Virtudes, representadas en la parte baja de los muros de la nave de la capilla Scrovegni de Padua, se muestra como figura femenina alada que, apoyada en el marco del propio nicho figurado, recoge una corona que le ofrece Dios Padre. La torsión del cuerpo de la figura y la diagonal que dibuja llevan al espectador al motivo de la corona, que casi pasaría desapercibido en una primera mirada. La Esperanza se recorta contundente sobre el fondo azul de la hornacina. Los gestos y torsiones en la que la coloca Giotto juegan con los propios límites de la escena. La Fe es una de sus compañeras.

Junto a sus compañeras la Caridad y la Fe, esta imagen de la Esperanza procede del retablo Baglioni pintado por Rafael para Atalanta Baglioni. La figura de la virtud teologal se ubica en un tondo, acompañada por dos angelitos vestidos con faldillas cortas. El aspecto escultórico del conjunto enlaza con la obra de Miguel Ángel.

Tras la muerte de Platón será su sobrino Espeusipo quien dirija la Academia durante unos ocho años. La filosofía de Espeusipo sigue, lógicamente, a su tío pero existen algunas diferencias entre ambos. Principalmente encontramos algunas objeciones a la teoría de las ideas desarrollada por Platón, al tiempo que Espeusipo consideró los entes matemáticos como los modelos ideales. Su cientifismo le llevó a manifestar el valor de la ciencia en el plano cognitivo.

La salud de Maria empezó a debilitarse a partir de 1824, víctima de los continuos embarazos -tendrán siete hijos- y de la tuberculosis. Los médicos le recomendaron pasar temporadas en la costa y los Constable se trasladaron con cierta frecuencia a Brighton. Bien es cierto que el pintor no se encontraba muy cómodo en este lugar -"la playa es como Picadilly ... pero en la costa" llegó a decir- pero sí realizó un buen número de bocetos y lienzos definitivos con esta temática. Aquí podemos contemplar una escena diferente a las marinas habituales al mostrarnos unos espigadores y en el fondo unos molinos, pero el verdadero protagonista es el viento que envuelve toda la composición. Los efectos de claroscuro son sorprendentes así como el empleo de la espátula para aplicar el color, presentando una escena llena de movimiento y vitalidad que será para los impresionistas una significativa influencia.

A diferencia de Campo con amapolas donde Vincent emplea una perspectiva casi panorámica, en estas espigas que contemplamos la visión del artista se ha limitado a un mínimo espacio, influido por la fotografía. Van Gogh se interesa por los efectos lumínicos en un trigal, empleando una gama de colores muy limitada y perdiendo casi por completo las formas, relacionándose con los trabajos de Monet. Todo lo que le rodea - una joven campesina, la hija de sus caseros, las casas de Auvers o los jardines - será susceptible de ser pintado en esta etapa casi mágica transcurrida en Auvers-sur-Oise, elaborando más de 80 lienzos en los dos meses que vivió allí.

Artista especializado en esculpir cabezas de santos degollados, de entre sus obras destacan la cabeza de San Juan Bautista de la iglesia parroquial de San Andrés de Valladolid, y las de San Pablo y el Bautista del Convento de las Lauras en 1778 de la misma ciudad.

Fundada por el rey Teobaldo II de Navarra en 1269 -fundación conmemorada por un busto-, se trata de un típico pueblo establecido a lo largo de la calle por la que pasa la Ruta Jacobea, destacando el cuidado caserío que se dispone a lo largo de ambos lados de la carretera, con sus empinados tejados. La iglesia parroquial está dedicada a san Bartolomé. En el término municipal de Espinal se encuentra la segunda mayor concentración de dólmenes de la Comunidad Foral.

Escultor español de principios del siglo XVIII, nacido en Cataluña, su obra más notable son seis estatuas de alabastro que trabajó para el monasterio de cartujos de Scala Dei en Tarragona.

Entre las obras neoáticas, hay algunas, incluso muy famosas, cuyo taller desconocemos: tal es el caso, por ejemplo, del conocidísimo Espinario, cuyo virtuosismo ecléctico es tal que logra dar aspecto clásico a un esquema realista de hacia 200 a. C., añadirle una cabeza inspirada en las de principios del siglo V a. C., y hasta hacemos olvidar, tan armónico es el conjunto, que los bucles cuelgan en sentido horizontal hacia la espalda. Es posible que esta obra ya se realizase en Roma. Al fin y al cabo, en el siglo I a. C. se incrementan de forma decisiva los talleres neoáticos instalados en la ciudad.