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Désiré Dihau era un buen amigo de Toulouse-Lautrec; tocaba el fagot en la Orquesta de la Opera y protagoniza uno de los cuadros de Degas con quien le unía una buena amistad. En su faceta de escritor destacan los cuplés que hacía para el cabaret "Le Chat Noir". Toulouse-Lautrec realizó a su buen amigo Désiré dos retratos al aire libre, utilizando el jardín de "Père" Forest como lugar de trabajo. En uno de ellos aparece leyendo un periódico, de espaldas, mientras que en éste que contemplamos se sitúa frente al espectador, en primer plano, resaltando más su rostro y su personalidad. Posiblemente sea el fondo lo más atractivo del retrato donde encontramos un abocetado general que enlaza con el sintetismo y casi anticipa la abstracción de algunos trabajos de vanguardia actuales. El jardín ha sido conseguido gracias a una serie de trazos vertiginosos que no reparan en ningún tipo de detalles. Tampoco debemos olvidar la influencia de la pintura impresionista al ubicar al personaje al aire libre e interesarse por las sombras coloreadas.

Moratín indica en su texto que en algunas ocasiones la muerte del toro la realizaban esclavos, presentando Goya una imagen en la que estas figuras se disponen a acabar con el animal, apreciándose entre "la canalla" a un negro.

Personaje influyente que trabajó como secretario con Danton y más tarde fue Diputado por París en la Convención Nacional. Apoyó la muerte de Luis XVI y se caracterizó por ser uno de los más fervientes detractores de los Girondinos. Fue apresado junto con Danton y ejecutado.

Cuando el 19 de marzo de 1858 Fortuny llegaba a Roma para disfrutar de la pensión otorgada por la Diputación de Barcelona consideró que la ciudad era "un vasto cementerio visitado por extranjeros". Al poco tiempo de estancia coincidió con los pintores Rosales, Vera y Puebla, estrechando su relación profesional y acudiendo a las Academias, frecuentando la "Giggi" donde se estudiaba el dibujo del natural como observamos en este desnudo, denominado en la época "academia". Un hombre en su plenitud anatómica ha sido captado a la perfección por el artista, exhibiendo un dibujo firme y seguro que se manifestará a lo largo de toda su carrera. Los estudios lumínicos también son interesantes al utilizar una luz potente que baña toda la figura y apenas muestra zonas de sombra, generando así mayor sensación volumétrica. La torsión del modelo acentúa su belleza y demuestra el control del artista a la hora de ejecutar este tipo de composiciones.

Rubens llegó a Roma con 24 años y desde el primer momento empezó a tomar lecciones de anatomía copiando las obras de Miguel Angel, especialmente el techo de la Sixtina y el Juicio Final. Este Ignudi se encuentra entre la Sibila Líbica y Jonás y en él observamos cierta referencia al Torso Belvedere que Rubens también copió en esta época. El interés del flamenco se centra en la anatomía escultórica de la figura y el movimiento de sus músculos, como si de un modelo vivo se tratara y no de un fresco que se halla a 20 metros de altura. Esta figura será utilizada como modelo por Rubens 30 años más tarde, en la decoración del techo de la Banqueting House en el Palacio de Whitehall, concretamente en la personificación de la Abundancia, poniendo de manifiesto como el maestro reutilizaba las imágenes que le habían impresionado, realizando ligeros cambios.

Obra que nos pone en relación al escultor Josep Llimona con el simbolismo modernista, sobre todo por su vocación de sugerir un estado de ánimo, un mundo interior y oculto que la suavidad de las formas envuelve en un transcurrir de la materia sensual y delicadamente fluida. Llimona conoce en París la obra de Rodin y de Meunier, influencias que quedarán plasmadas en su obra.

Renoir sintió profunda admiración por las figuras femeninas desnudas, siendo una constante en su producción, como observamos en Desnudo al sol, las Grandes bañistas o las Bañistas, mostrándose en todas ellas como un artista clasicista con ecos de Rubens o Tiziano. No en balde este tipo de imágenes servirá al artista para recuperar una forma que iba perdiendo el Impresionismo y que él no deseaba olvidar, quizá por su aprendizaje como decorador de porcelanas. Sabemos el nombre de la modelo - Ana - que posa en una postura forzada, con el cuerpo hacia dentro y el rostro mirando al espectador. Un buen número de telas blancas forma el fondo, en sintonía con la piel dorada de la joven, por la que resbala la luz. Las líneas del cuerpo demuestran la exquisitez del dibujo del maestro, creando un sensacional efecto volumétrico en la figura. El atractivo rostro tiene mucho de retrato y pone de manifiesto su facilidad para este género, como atestiguan los de la Señorita Romaine Lacaux o de Gabrielle.

En 1906 Modigliani se estableció en la Ruche, el edificio ruinoso lleno de talleres, donde vivían también Soutine, que sería su gran amigo, y Chagall, sumergiéndose de lleno en la vida nocturna de Montmartre y llevando una existencia de paria del arte. En 1915 abandonó la escultura, pero mantuvo las deformaciones, el alargamiento y la estilización en su pintura, tanto en los desnudos femeninos como en los retratos, sus dos únicos temas. Modigliani unió la influencia fauve a la expresionista, y, si en su modo de hacer se pueden rastrear las huellas de Cézanne, Toulouse, Picasso, el cubismo, el arabesco del modernismo y los manieristas de Florencia; su estilo es únicamente suyo e inconfundible. En sus obras los contornos se marcan con fuerza, en líneas gruesas o delgadas, pero siempre fluidas, herederas del arabesco modernista, mientras los cuerpos y el espacio son planos de color que se yuxtaponen. Sus desnudos, aparentemente tradicionales, están cargados de inquietud, de tensión interior y desasosiego.