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En el último episodio de la vida de los santos médicos que se representa en el Retablo de Annalena se escenifica en esta ocasión el momento final con que termina el martirio de los santos Cosme y Damián, ordenados ejecutar por el prefecto romano Lisias, junto a sus hermanos. Con los ojos vendados y uno de los santos ya decapitado en el suelo, Fra Angelico dispone una composición circular, cerrada en los extremos por los soldados. La sensación espacial está bien conseguida a partir de la distribución de los personajes por toda la escena. El cuerpo que yace en el suelo está en un plano diferente a los que esperan su mismo destino; mientras, a la derecha, un verdugo, cuya postura y movimiento vuelve a recordar a la escena de la predela del Tríptico de Perugia con San Nicolás salvando a los inocentes, se dispone a ejecutar su acción. La torsión de su cuerpo también ayuda al efecto espacial. Los colores tornasolados del Beato Angelico vuelven a ser fundamentales en la construcción de la escena. La gradación lumínica aparece de nuevo, desde la luz incisiva sobre el primer plano de la acción, hasta perderse poco a poco en la lejanía, entre los árboles del marco natural donde se ambienta la ejecución. El desarrollo de la historia del martirio de los santos médicos tendrá un acabado más concreto y un desarrollo espacial más palpable y creíble en la predela del Retablo del altar mayor del convento de San Marcos de Florencia, cuyo comitente también sería Cosme de Médicis.

Según los textos originales de la época, cien años después de que Caravaggio pintara esta tremenda escena, continuaba provocando reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes del palacio Zambeccari de Bolonia, donde se encontraba antes de pasar a la Galería Nacional de Arte Antiguo. Acostumbrados hoy día a un lenguaje expresivo diferente, la obra tal vez ha desviado su efecto inicial del horror a la curiosidad. Pero debemos pensar que la captación de una degollación no era tan difícil de contemplar en directo en el siglo XVII, y mucho menos para nuestro artista, frecuentemente involucrado en actividades turbias de los bajos fondos romanos. Caravaggio recurre, como es habitual en su pintura, a un casi forzado realismo, que desnuda el alma de los personajes de la acción ante el espectador. Es imposible no estremecerse ante la firme decisión de la bella Judit, inconmovible ante el terror de Holofernes, el opresor de su pueblo. Con serenidad de estatua, tira de la cabeza del rey para ayudarse en la ejecución, con cuidado de mantenerse apartada de la sangre que mana a chorros como una fuente. La criada, entre espantada e hipnotizada por la acción, espera con un paño recibir el trofeo que habrán de llevar a los ancianos de la ciudad para demostrar la muerte del tirano. La violencia de la acción repercute en las expresiones de los personajes, que ofrecen diferentes versiones de lo que está pasando. El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento. La manera que Caravaggio empleó para componer tan truculento episodio fue utilizada posteriormente por otros pintores del naturalismo tenebrista, entre los que destacan la Judit y Holofernes de Artemisia Gentileschi y obras de similar talante de Valentin de Boulogne.

Término arquitectónico que designa a un edificio con diez columnas en su parte frontal.

En el año 249 el general Cayo Decio fue proclamado emperador por sus tropas -algo habitual en la anarquía militar del siglo III- enfrentándose de esta manera a Filipo el Arabe, el emperador de esos momentos. El enfrentamiento tuvo lugar en Verona y Decio salió vencedor por lo que se convirtió en único emperador. Las persecuciones contra los cristianos serán norma habitual durante su reinado. En un enfrentamiento contra los godos que penetraron en el Imperio, Decio perdió la vida tras dos años de gobierno.