Busqueda de contenidos

Durante la estancia de Piero della Francesca en la Corte de Urbino realizó varias obras que se consideran cumbres en su producción: los retratos de Federico de Montefeltro y Battista Sforza, la Virgen de Senigallia, la Flagelación y esta Madonna con Niño, también conocida como Pala Montefeltro o Pala Brera, debido al museo donde se guarda actualmente procedente de la iglesia de san Bernardino de Urbino. Es una de las obras más populares del maestro y que más comentarios ha suscitado. La Virgen con el Niño dormido en una extraña postura se encuentra en el centro de la tabla, acompañada de tres santos a cada uno de los lados y cuatro ángeles tras ella. En la zona de la izquierda apreciamos a san Juan Bautista, san Bernardino y san Jerónimo mientras que en la derecha se hallan un evangelista -identificado con dudas como san Juan- san Pedro Mártir y san Francisco. En primer plano, vestido con una armadura plateada -en la que los reflejos permiten contemplar una ventana- muy similar a la que encontramos en su Triunfo, se sitúa Federico de Montefeltro, duque de Urbino y uno de los principales clientes de Piero. La escena se desarrolla en un espacio dominado por arquitectura de marcado acento renacentista, especialmente la bóveda de cañón que se cierra con una cúpula en forma de concha de la que pende un huevo de avestruz. Los casetones decorados con elementos florales tienen un relieve considerable, creando el maestro la sensación de estar en un palacio más que en un espacio sagrado o celestial. La luz ilumina todas las figuras, reforzando su carácter escultórico y contribuyendo a la formación del espacio en la escena. También sirve para aumentar el efecto de autonomía de los personajes que aun estando muy unidos entre sí, cada uno se encuentra distante del compañero. Las figuras de los ángeles dirigiendo su mirada al espectador parecen buscar respuesta a los enigmas del cuadro, especialmente en cuanto a las diferentes interpretaciones que se han producido. En esta obra de Piero adquieren una importancia fundamental las joyas, el coral que pende del cuello del Niño, el oro y los diversos adornos, buscándose un significado simbólico. En aquellos momentos la perla se relacionaba con el agua del bautismo y el agua que manó del costado de Cristo durante la crucifixión, mientras que el coral protegía a los niños de los malos presagios y de los peligros, además de indicar la santidad virginal. Por lo que se refiere al huevo y la concha se interpretan como una alusión a la maternidad de Battista Sforza, quien se retiró a la villa de Gubbio para concebir con mayor facilidad un hijo, interviniendo milagrosamente san Ubaldo por lo que el niño se llamó Guidobaldo. El nacimiento se produce el 1 de enero de 1472 falleciendo Battista el 6 de julio del mismo año al no recuperarse del parto; además, el huevo era el símbolo del duque, relacionándose pues con su sucesión. También se han encontrado indicios de una referencia a la batalla de Volterra, victoria conseguida por Federico en 1472 por lo que aparecería arrodillado y con la armadura, exaltando su poder. Dejando de lado la simbología, parece claro que estamos ante una obra votiva, realizada por Piero para ofrenda del duque. Las figuras de los santos que se encuentran entre medias de sus compañeros se consideran añadidos posteriores, con la existencia de colaboradores en la obra, entre los que se menciona al español Pedro de Berruguete como el autor del rostro y de la armadura del duque. En la profusión de detalles podemos encontrar una referencia al mundo flamenco que Piero conoció en su estancia en la Corte de Urbino.

Esta imagen de Bellini se encuentra muy influida por la pintura de su cuñado, Andrea Mantegna. Al igual que Mantegna pasó por una "fase Bellini", el veneciano se hace eco de la monumentalidad pétrea de su pariente, con una imagen que se aleja de la popular calidez y belleza del resto de su obra. La imagen que presenta parece protagonizada por estatuas de sólida presencia; las expresiones de todos los personajes son serenas, absortas, sin relación entre sí. La luz con que están bañados es blanca, casi azulada, muy fría y homogénea, lo que aporta claridad a la escena y evita contrastes de luz y sombra que puedan introducir dramatismo en ella.

Clásica composición piramidal con la Virgen María, el Niño Jesús y el joven San Juan Bautista.

El estilo de Antonio Arias es uno de los más personales de su generación, evocando en parte a Maino. Sus figuras son escultóricas, bien definidas, como podemos apreciar en esta Virgen con Niño de gran atractivo. La escena se desarrolla en un interior como nos sugiere la columna y el cortinaje del fondo, sobre el que se recorta la solemne figura de María, no exenta de naturalidad e intimismo. El cesto con la labor que encontramos en primer plano es una muestra clara de la pintura naturalista que triunfó en España durante las primeras décadas del siglo XVII. Al fondo encontramos un paisaje de atardecer, realizado para otorgar profundidad al conjunto. Las figuras se presentan en primer plano, ocupando el mayor espacio posible de lienzo, destacando el claro e intenso colorido y la dureza de los plegados de las telas, quizá inspiradas en Durero o incluso en Zurbarán.

La Virgen con Niño es una de las imágenes características de la pintura flamenca. Es muy habitual que las bellas figuras se sitúen en el interior de una iglesia o en una hornacina, simulando ser una estatua, como en este caso. María viste de rojo, cubriéndose con un lienzo de color blanco que asoma bajo el manto. El Niño lleva una camisa blanca larga y está sentado en el regazo de su madre, en posición inestable; parece arrugar las hojas del libro que está leyendo la Virgen, que observa la acción cariñosamente. Sobre la cabeza de María se sitúa un ángel que sostiene una corona labrada en orfebrería. El dramatismo que caracteriza otras escenas de Rogier Van Der Weyden -como la Piedad o el Descendimiento de Cristo- ha dado aquí paso a una ternura y una gracia que también son particulares del maestro, demostrando su capacidad para transmitir los sentimientos. El realismo de las figuras, el vibrante colorido y la delicadeza de los detalles caracterizan esta espectacular imagen, situada en un lugar irreal -una hornacina rematada con tracería gótica que avanza en una peana donde se sitúa parte de la figura- muy del gusto de la época.

En van Orley, su interés por la arquitectura clasicista -tomada de los Manieristas de Amberes- como elemento figurativo de composición y, al tiempo, continente de las escenas, le lleva a importantes reflexiones sobre el espacio pictórico como tridimensionalidad que, en obras como la Virgen con el Niño, está referida también a las figuras y su disposición precisa y adecuada en dicho espacio, guardando entre sí las distancias apropiadas y puestas a la requerida profundidad.