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Era uno de los motivos decorativos más frecuentes de los bronces de las dinastías chinas Shang y Zhou. Solía representar un animal monstruoso visto de frente.

Concepto utilizado en Oceanía para designar la tela fabricada mediante la unión de diversas fibras interiores de árboles, como el del papel, por ejemplo.

Tallada a doble vertiente y decorada con bajorrelieves, es la tapa de un enterramiento en fosa practicado en el interior de la iglesia del monasterio de San Benito de Sahagún (León). La lauda o epitafio dice: "En el sexto día de los idus de diciembre del año de la era de 1131, murió Alfonso, el hijo querido del Conde Pedro Ansúrez y de la Condesa Elion". El difunto, representado con una larga camisa, se incorpora a instancias de la mano de Dios que surge de un cielo estrellado. Completan la representación celestial los arcángeles Miguel, Gabriel y Rafael y los cuatro evangelistas, de los que San Juan aparece representado por su símbolo: el águila. Los nombres escritos junto a las figuras permiten identificarlas.Está fechado por la era hispánica, que comienza a computar 38 años antes del nacimiento de Cristo. El monasterio de San Benito de Sahagún (León), cabeza de la reforma cluniacense, fue protegido por el rey Alfonso VI, quien lo convirtió posteriormente en panteón funerario. Por este motivo, muchos nobles eligieron también este lugar para ser enterrados, tal y como hizo el conde Pedro Ansúrez, mentor del rey. El monasterio fue abandonado durante la desamortización, sufriendo un paulatino proceso de ruina y expolio. Algunas piezas cayeron en manos de anticuarios, como la tapa de la tumba de Alfonso Ansúrez, que fue vendida en el año 1926 al Metropolitam Museum de Nueva York. En 1932 fue canjeada por el Museo Arqueológico Nacional a cambio de otras piezas.

Molde de dos tableros paralelos en que se forman las tapias.

Las tres grandes fábricas de tapices en Francia eran la de Gobelinos, la de Beauvais y la de Aubusson. Esta última, sin embargo, poco influjo ejerció en la historia de la tapicería del XVIII, ya que al no gozar de la protección real, lo que ganaba en independencia lo perdía en ayudas y encargos. Vivió de copias y préstamos, especializándose en la guarnición de sillas.Durante el XVIII va dejando de usarse el tapiz como algo que se cuelga delante de una pared, para insertarse en ella, enmarcado como si fuera un cuadro. Cada vez se da más intervención a los pintores (Oudry, Boucher), que exigen la copia exacta del cartón. Se alcanza una excepcional pericia técnica, pero el artesano pierde libertad y por lo tanto originalidad. El tapiz intenta ser un cuadro de caballete, se orienta a una concepción pictórica. En el intento de dar una mayor realidad se utilizarán tintas químicas para conseguir mayor gama de tonos, lo que ocasiona un más rápido deterioro del tapiz.Al principio se mantiene el estilo decorativo de Berain y del maestro de Watteau, Claude III Audran, pero pronto se utilizan los nuevos temas que puso de moda la pintura (escenas pastoriles, teatro, temas exóticos). Al tiempo la escena se va reduciendo de tamaño hasta reducirse a un medallón central, adquiriendo el enmarcamiento más amplitud y en donde se deja al artesano mayor libertad. Este es el caso de la Historia de Don Quijote, comenzado a tejer en 1728 siguiendo los cartones de Charles-Antoine Coypel.En los grandes tapices se mantiene todavía el tema de Historia, inaugurado por Le Brun en el anterior siglo: la Historia de Ester, de De Troy, o las Cacerías del Rey, de Oudry. Sin embargo, el nuevo gusto prevalece, se multiplican las pequeñas piezas, la decoración de rocalla domina y las composiciones repiten la mitología amable y los típicos temas del Rococó.El importante puesto que ocupa Boucher en el tapiz del siglo XVIII, director de pintura primero en la Manufactura de Beauvais y luego en la de los Gobelinos, ya lo he comentado al hablar de su pintura. Unicamente recuerdo que algunas obras suyas esenciales fueron concebidas como serie de cartones. Destaco Fiestas italianas, Historia de Psique o Los Amores de los dioses.El gusto rococó persiste todavía unos cuantos años, al tiempo que aparecen nuevos temas como la !liada, entregados a Beauvais por Jean-Baptiste Deshays en 1761. Pero en los últimos años del reinado de Luis XV llega la crisis a las dos manufacturas que prácticamente se dedican a crear modelos de tapicerías para muebles.Aunque ya desde principios de siglo, tras el descubrimiento de Böttger en su fábrica de Meissen, se utilizaba en Sajonia la porcelana, en Francia hay que esperar hasta los últimos años del reinado de Luis XV para que empiece a poder competir con sus productos. Mientras, Saint-Cloud, Chantilly o Vincennes se limitaban a fabricar porcelana de pasta blanda. Esta última manufactura, la más importante de Francia fundada en 1738, se traslada por deseo de Madame de Pompadour a Sèvres en 1756 y a los pocos años Luis XV se convierte en el único propietario. Ya antes de su traslado había puesto de moda los fondos coloreados, lanzando sucesivamente y durante poco tiempo el azul, azul turquesa en 1752, al año siguiente el amarillo junquillo, en 1756 el verde manzana y ya en Sèvres, en 1757, el fondo rosa, que se ha venido en llamar el rosa Pompadour.A mediados de siglo el procedimiento del biscuit (bizcocho) permite la confección de figuritas de pasta blanca a imitación de la escultura que provocaría las delicias de la refinada clientela. Se hacen sobre modelos proporcionados por Duplessis, el orfebre del rey, y otros artistas, pero sobre todo por Falconet. Fue director de la manufactura de Sèvres desde 1757 a 1766 y, aparte de modelos originales suyos, aprovechó también composiciones de Boucher. El siguiente director, Bachelier (1766-1773) fue testigo del cambio de gusto, lo que incidió en el olvido de la rocalla y la inclusión de los motivos a la antigua.Pocas piezas de plata quedan del siglo XVIII pues, o bien desaparecieron durante la Revolución, o bien antes, con el vestiginoso cambio de modas, fueron fundidas para hacer nuevos modelos. Puede estudiarse, sin embargo, su evolución a través de los diseños conservados. En un primer momento se mantiene el sentido arquitectónico de la época anterior, durante la Regencia empieza a adoptar un carácter más decorativo, para acabar durante el reinado de Luis XV en una febril y asimétrica composición.Uno de sus máximos inspiradores fue Juste-Aurèle Meissonnier; en 1724 fue nombrado orfebre del rey y dos años después dibujante del cabinet real. El mejor ejemplo de interpretación de sus dibujos es un candelabro de plata conservado en París en su Museo de Artes Decorativas, realizado por Claude Duvivier hacia mediados de la década de los treinta. Sin embargo, el más importante orfebre fue Thomas Germain (1673-1748), a quien sucedió su hijo François-Thomas. De este último es el servicio de José I, encargado por los Braganza en torno al año 1758 y que se encuentra en Lisboa.La reacción contra los excesos decorativos y las fantasías del Rococó no se hizo esperar, ya en 1754 Cochin, el grabador que había acompañado al Marqués de Marigny a Italia cuatro años antes, vierte sus duras críticas en la "Supplication aux orfebres". Entre otras muchas súplicas, ruega "a los orfebres, cuando tallen encima de la tapa de una fuente una alcachofa o una rama de apio de tamaño natural, que eviten al menos poner al lado una liebre del tamaño de un dedo".

Una de las mejores compañías de Toulouse-Lautrec en sus correrías nocturnas era su primo hermano Gabriel Tapié de Céleyran, llegado a París en 1891 para terminar su carrera de medicina. Con Gabriel aparece Henri en el lienzo titulado En el Moulin Rouge y aquí volvemos a contemplar su imagen alta y desgarbada en la que destaca su enorme nariz rojiza y sus grandes pies planos. Gabriel también protagonizará el maravilloso dibujo titulado el Automovilista. Toulouse-Lautrec presenta a su primo en un corredor del teatro, interesándose el pintor por el efecto de puertas abiertas, espejos y vistas parciales así como por los juegos lumínicos que producen las luces artificiales. Tras la figura de Gabriel contemplamos varios personajes femeninos que podrían corresponder a prostitutas, enlazando con una de las temáticas más admiradas del pintor y más criticadas por el gran público. El color está aplicado en largas pinceladas, obteniendo cierta planitud en algunas zonas como también hacía Gauguin. La línea sigue predominando en este atractivo conjunto, que emplea un dibujo alejado de clasicismos y pleno de aire vanguardista.

Entre 1943 y 1946 estudia Derecho en la Universidad de Barcelona. A principios de los años 40, una afección pulmonar le obliga a estar convaleciente y, es en 1945 cuando inicia su trayectoria artística. En 1947 funda el grupo Dau al Set de raíz surrealista, donde se dejan ver influencias de pintores como Klee y, especialmente de Miró. En 1950 obtiene una beca a París donde visita a Picasso. Viaja también a Bélgica y Holanda. Al año siguiente se desliga del grupo decantándose por el informalismo y la abstracción. En sus obras destacan los signos alusivos a la muerte, la vida o el sexo. Signos como círculos, cruces y, óvalos se repiten. Utiliza diversas técnicas, como el collage y el grattage. En 1962 comienza a insertar objetos cotidianos como pajas, cuerdas, papel o trapos. Se le considera precursor del arte povera. Ha realizado también cerámicas, tapices y esculturas.