Busqueda de contenidos

La colección de esculturas de Charles Towneley estaba considerada como la mejor de Inglaterra y tras su muerte sería adquirida por el British Museum. Por esta razón, cuando Zoffany realizó un retrato de este aristócrata eligió como entorno para su "conversation piece" su biblioteca-galería de Park Street, donde también aparecen representados el anticuario francés encargado de catalogar la colección llamado d´Hancarville -sentado ante la mesa realizando su trabajo-, el también anticuario Thomas Astle y el honorable Charles Greville -primer protector de Lady Hamilton, la amante de Nelson- charlando ambos en el fondo. El detallismo y la minuciosidad serán las características definitivas del estilo de Zoffany, interesado por destacar el contraste entre la rigidez de las estatuas y la vivacidad de los personajes. La disposición de los elementos en el espacio resulta tremendamente acertada, situando una zona central despejada que dirige nuestra atención hacia el anticuario mientras Towneley lee plácidamente en la derecha de la escena acompañado de su fiel perro. El fondo queda más recargado y en penumbra, resaltando las tonalidades rojas con las que se establece la conexión entre los diferentes planos.

Uno de los marchantes que más apoyó a los impresionistas fue Paul Durand- Ruel. Desde la "Revue international de l´art de la curiosité", de la que era editor, intentó ya defender el movimiento, convirtiéndose más tarde en el promotor casi reconocido por todos, llegando a organizar la segunda exposición del grupo en 1876. Durand-Ruel adquirió un buen número de obras de Renoir y solicitó al pintor que realizara el retrato de los miembros de su familia. En este lienzo contemplamos a Charles, de diecisiete años, y Georges, un año menor, sentados en el jardín de la casa que el padre alquiló en Dieppe para pasar el verano. El marchante no salió satisfecho del resultado del retrato ya que no esperaba que el retrato fuera pintado al aire libre, aunque el resultado para el espectador es de gran calidad. Las dos figuras se colocan en primer plano, vistiendo elegantemente y en tonalidades constrastadas, interesándose el maestro por la personalidad de los modelos.Aunque las pinceladas son rápidas, encontramos un mayor peso del dibujo, especialmente desde el viaje de Renoir a Italia en 1881, donde se interesó por la obra de Rafael. Así los rostros de los dos jóvenes están más modelados mientras que las plantas del jardín del fondo presentan una mayor soltura de estilo.

Charlotte Wolter fue una de las actrices más famosas del Burg Teather, consiguiendo un premio en diciembre de 1874 por su interpretación en la ópera "Mesalina y Arria" de Adolf von Willbrnadt. Wolter encargó un retrato al pintor más importante de la Viena del momento, Hans Makart. La actriz aparece en una delicada postura majestuosa inspirada en la antigüedad. Como referencia, el pintor utilizó una escultura de Paulina Bonaparte realizada por Antonio Canova en la que imitaba la antigüedad romana.La modelo aparece en primer plano, tumbada en un diván, ataviada a la moda romana y coronada de laureles como símbolo de triunfo. La túnica que lleva se abre en el pecho pero una hoja impide contemplar el seno, aportando así una nota de sensualidad al retrato. recibe un potente fogonazo de luz procedente de la izquierda, al igual que hacía Tiziano en sus retratos, uno de los artistas favoritos de Makart. Al fondo apreciamos una arquitectura romana, entre elevados cipreses y recibiendo una iluminación de antorchas, creando un sensacional efecto dramático.Con este retrato, Makart crea un símbolo universal de homenaje a la belleza y la eternidad. La propia Wolter salió tan satisfecha del cuadro que comentó: "Todo Berlín corre para verlo porque es indecente y yo soy tan magnífica como Mesalina".

Su formación es posible que discurriera bajo los consejos del Maestro de Aix, por el goticismo de las formas, aunque luego su obra incorporase referencias meridionales e italianas. Parece ser que hasta la década de los años cuarenta residió en la región francesa de la Provenza. Prueba de la influencia que ejercen las tendencias italianas sobre su obra es "Virgen de la Misericordia", donde se funde el recuerdo de Piero de la Francesca con el de Domenico Veneciano. Esta tendencia también se repite en La Coronación de la Virgen. Otra de las obras que se le han asignado es la "Piedad de Villeneuve" donde el estilo italianizante y los rasgos flamencos definen las formas.

Poeta y moralista, participó también en política como secretario y consejero de Carlos VI y Carlos VII. Entre sus obras destaca "La bella dama sin piedad".

Término japonés que se refiere a la habitación donde se celebra la ceremonia del té. Arquitectónicamente es muy simple, situada generalmente en jardines, templos o lugares apartados; sitios donde se puede estar tranquilo.

En el año 1822 su padre lo llevó a París, entró en el estudio de Ingres en 1830 en el que permaneció hasta 1834, cuando Ingres partió hacia Italia. La influencia de Delacroix se aprecia en los temas beduinos de Chassériau, pintados en Marsella en 1836 y también en Susana y los Viejos del año 1839 del Museo del Louvre de Paris. En su cuadro Dos Hermanas (Alice y Adele) Chasseriau, también del Museo del Louvre del año 1843, intentó hacer una síntesis e los estilos de Ingres y Delacroix, utilizando un colorido vivo dentro de un dibujo lineal de contornos netos. Prelvalece un estilo libre en Santa María Egipcíaca para la Iglesia de Saint- Merri en París. En 1844 hizo una serie de grabados sobre Otelo y a esta le siguieron otras pinturas al óleo de tema shakespeariano: Julieta y Romeo en 1845 y Otelo y Desdémona en 1850. En el año 1846 Chassériau viajó a Argelia donde pintó melancólicas escenas locales. Para una de ellas Baño en el Harén por su amada Alize Ozy en el año 1849 del Louvre. Chassériau transmitió una versión libre y romántica de las tradiciones opuestas de Ingres y Delacroix a Gustave Moreau, Puvis de Chavannes, que admiraba sus composiciones murales y a Odilon Redon.